Lo transdisciplinar en las claves creativas del arte y el diseño

Lo transdisciplinar en las claves creativas del arte y el diseño

Julia Galán - Francisco Felip

Abstract: Lo híbrido se viene presentando desde las vanguardias de principios del siglo XX como característica del avance del arte hacia lo inexplorado, posibilitando en las creaciones la incorporación conjunta de materiales y conceptos aparentemente incompatibles, pero de cuya fusión se descubre un camino hacia lo inédito. En un mundo cada vez más interconectado, la disolución de fronteras entre disciplinas se perfila como paradigma de la creación actual, cuyo discurso ambiciona posicionarse como lugar de encuentro de innumerables lenguajes.

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'You are not yourself', Barbara Kruger, 1984. Fotografía de 'Playing Futures'

Lo transdisciplinar en las claves creativas del arte y el diseño


Extracto 1

 

Paralelamente, los medios tecnológicos e industriales de producción en masa no pasaron desapercibidos a los constructivistas rusos, quienes los utilizaron como caballo de batalla para reivindicar un arte que debía aproximarse a la realidad y que debía perseguir objetivos tanto sociales como políticos. De este modo, Tatlin trabajó en proyectos que intentaban aunar diversas disciplinas bajo una finalidad utilitaria (Monumento a la Tercera Internacional, 1920), pero también exploró la hibridación de materiales poco convencionales para defender un arte más cercano a la realidad (Construcciones en relieve, 1913-1914). Esta relación entre arte y vida continuó explorándose por los dadaístas en la segunda década del siglo XX, teniendo a los ready-mades como máximo exponente en el camino hacia la disolución de sus límites. La obra de Marcel Duchamp tuvo una enorme repercusión en la forma posterior de entender el arte por transgredir la figura del artista, alterar el orden establecido en el proceso de creación artística y defender la utilización de objetos extraídos de la cotidianeidad, como señalan J. A. Ramírez y Marchán Fiz, marcando un hito en el proceso de destrucción de las fronteras entre arte y vida.

Es precisamente esta apropiación directa de lo real lo que provoca el paso hacia un arte objetual y conceptual, donde el empleo de materiales tradicionalmente no artísticos es una constante en todo proceso de trabajo, como se observa en la obra de Kurt Schwitters al aplicar diversos materiales de desecho en sus collages y en propuestas arquitectónicas, muy alejadas de la concepción tradicional del término.

En este proceso de ampliación de los límites del arte hemos de hacer referencia a las aportaciones posteriores del surrealismo, desde donde se defendía la negación de las restricciones impuestas por la razón en aras de un pensamiento más imaginativo y libre de fronteras. Paralelamente, era continuador de perpetuar la tradición antiburguesa y antiartística presentes en el dadaísmo, usando el concepto de azar como único mecanismo creativo, como muestran sus objets trouvés.

Con la inserción de la imagen popular en la cultura urbana de masas que define a las sociedades desarrolladas del capitalismo, el pop-art también contribuyó en las décadas de 1950-60 a ampliar las fronteras del arte proponiendo obras de marcado carácter interdisciplinar. Su amplio repertorio icónico (televisión, cómic, fotonovela, cine) se nutren de referentes pasados y hacen referencia a obras de Boccioni, Duchamp, Schwitters y Heartfield, reinterpretando el ready-made, el objet trouvé, el assemblage y el fotomontaje aunque sin la actitud crítica de las referencias originales. No obstante, es en estas décadas cuando el arte objetual amplía sus fronteras abandonando los límites del propio objeto para centrarse más en los acontecimientos (happenings) hasta llegar al arte conceptual. 

 

 

Extracto 2



Tal es el caso de Barbara Kruger y Jenny Holzer, quienes utilizaron los recursos del diseño gráfico para crear mensajes comprometidos con las inquietudes sociales de su época y alejados de cualquier intención comercial. Esta manipulación de las herramientas propias del diseño gráfico acercaba a estas artistas a la praxis propia del diseñador y cambiaba el posicionamiento del espectador, pero la gestión no mercantilista de la obra las distanciaba de esta profesión. La obra de Kruger se inspira en las estrategias comunicativas de los primeros carteles de las vanguardias rusas, hibridando en diversos soportes la fotografía con tipografías contrastadas, construyendo así mensajes de denuncia contra el abuso de poder, el incipiente consumismo de la sociedad occidental o reivindicaciones de índole feminista. Holzer se centra más en hacer ver las contradicciones a las que es sometida la sociedad desde cualquier esfera de poder, esta vez prescindiendo del uso de la imagen para articular el mensaje únicamente a través de la tipografía proyectada sobre el entorno urbano.

Más cercana al diseño industrial, Andrea Zittel se mueve en territorios comunes con la instalación, utilizando la arquitectura, el urbanismo, el diseño y la industria para proponer soluciones a problemas ligados con el hábitat doméstico, al tiempo que investiga sobre las razones que hay detrás de todo lo que nos rodea en nuestro devenir cotidiano. Sus propuestas siempre nacen de una voluntad de experimentación, de replanteamiento del mobiliario y ruptura con el hermetismo formal que los distingue. Así, consigue cambiar la relación del individuo con su entorno, al proponer soluciones multifuncionales que reducen a la mínima expresión todo aquello necesario para el ser humano en el hogar (Living Units, 1994; Comfort Units, 1994; Ottoman Furniture, 1994), reivindicando la vuelta del objeto necesario y relegando la práctica del consumo compulsivo, detonante de una dependencia material y génesis de una posible alienación del individuo.

Joep van Lieshout, ideólogo y fundador del Atelier van Lieshout, también discute en sus trabajos sobre los límites y las relaciones entre diseño, arte, arquitectura y ciencia, diluyendo sus fronteras y defendiendo la creación conjunta y colaborativa sobre la individual, atribuida tradicionalmente a la figura del artista. La hibridación de materiales consigue dotar de riqueza expresiva a sus piezas a través de sus distintos acabados. Sus propuestas son funcionales e industrialmente operativas, pero plantean lecturas múltiples que buscan reflexionar sobre diversos temas presentes en el entorno social, como la política, el poder o la autarquía. La preocupación por el devenir del ser humano en una civilización cada vez más agresiva está presente en numerosas obras, desde la concepción utópica de la ciudad autosostenible (Slave City, 2005), pasando por la búsqueda de un hábitat de protección ante un presente cambiante y violento (Vostok Cabin, 2010) hasta llegar a reivindicar el regreso a los orígenes a través de la recuperación del sentimiento tribal y la agricultura (recientes series New Tribal Labyrinth, 2011). Sus esculturas también exploran a distintos niveles la morfología del cuerpo humano y la adaptan a un criterio en ocasiones funcional pero no carente de mensaje (Wombhouse, 2004; Sensory Deprivation Skull, 2007; Family Lamp, 2008), o en otras con un propósito meramente artístico (The Caretakers, 2005; Dancing Family, 2006). 

  • 01. Autor/a/es: Julia Galán - Francisco Felip Miralles
  • 02. Título del contenido: Lo transdisciplinar en las claves creativas del arte y el diseño
  • 04. Fecha de publicación en DEFORMA Cultura Online: 27/03/2013
  • 05. ISSN de esta publicación: 2254-2272
  • 06. Revisado por pares: Si
  • 07. Idioma de publicación: Español
  • 08. Número de páginas: 22
  • 09. Formato de archivo: PDF descargable (908 KB)
  • 10. Contenido con imágenes: Si
  • 11. Precio y moneda: Descarga libre
  • 12. Licencia del contenido: Distribución exclusiva en DEFORMA Cultura Online
  • 13. El contenido publicado es inédito: Si
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